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Hilo de análisis (algunos más largos que otros) de películas 🧠🎞️
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Hay películas que bajo su aparente "sencillez" esconden grandes ideas de lenguaje. Como MIDNIGHT IN PARIS (2011) de Woody Allen, que nos muestra la deriva de la pareja desde un principio en la secuencia en la habitación del hotel. 1/6
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Volvemos a KILLERS OF THE FLOWER MOON (2023) de Martin Scorsese, para comentar la escena en la que el personaje de DiCaprio regaña al de Gladstone por negarse a que le inyecten los "medicamentos". 1/6
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SHAME (2011) de Steve McQueen es una de las mejores películas del siglo. Un ejemplo de ello es la siguiente escena a la que le he dedicado un breve análisis.
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En KILLERS OF THE FLOWER MOON (2023) de Martin Scorsese, vemos como el personaje de DiCaprio va a estar ligado/encarcelado al de DeNiro (su tio) mediante un travelling circular sobre ambos en su primer encuentro.
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Breve análisis sobre la escena post asesinato en LA MUJER DEL CUADRO (1944) de Fritz Lang.
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Terminan dándose un beso, pero un "beso hundido", ya que se produce en el cuadrante inferior derecho, dejando los demás cuadrantes prácticamente vacíos. Y, siendo coherente con lo mostrado anteriormente, una forma perfecta de rodar el beso de una relación que se hunde. 6/6
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Si Dreyer decía que las lineas horizontales son "absorbidas" y las líneas verticales son "repelidas" por el ojo, era porque nuestro campo visual es más horizontal que vertical. Por lo tanto, las lineas horizontales nos producen mayor tranquilidad...
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La expresividad de AMANECER (1927) de F. W. Murnau llegaba hasta los intertitulos. Cuando la mujer de la ciudad sugiere el ahogamiento (para la esposa de él) vemos como los intertitulos terminan por hundirse, lo que refuerza su deseo de que eso suceda.
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Cuando un elemento adquiere un grado de excepcionalidad dentro de una pelicula es debido a las pocas veces que se utiliza. Eso sucede con los movimientos de cámara (siete en toda la película) en THE ZONE OF INTEREST (2023) de Jonathan Glazer. 1/2
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Uno de los mejores openings de la historia del cine.
Escrito sobre el viento / Written on the Wind (Douglas Sirk, 1956)
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FACES (1968) de John Cassavetes es una película salvaje, pero eso no significa que su director no tuviera todo bajo control y fuera preciso a la hora de construir sus imágenes. Fijaros en la secuencia de la ruptura de la pareja. 1/8
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Muchas veces viendo una película tenemos la sensación de que algo va suceder, pero no sabemos muy bien por qué. Una vez nos paramos a analizar las imágenes, damos con la clave. Fijaros en la composición de estos dos planos en THE DARK MIRROR (1946) de Robert Siodmak. 1/5
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En el final de PAST LIVES (2023) de Celine Song, fijaros lo larga que se hace toda la secuencia de la despedida. Estirar el tiempo para alargar el momento.
Podríamos resumir PAST LIVES (2023) de Celine Song en esta panorámica que nos muestra, en direcciones opuestas, las ciudades donde viven los protagonistas (izquierda para Seul y derecha para New York) como forma de expresar los caminos opuestos que tomarán sus vidas.
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Una secuencia en la que se les separa / opone constantemente. Una vez entran, vemos como se abre una distancia entre ambos (las cortinas y la silla ayudan en ello). Después, ella sale del encuadre dejándolo solo a él. 2/6
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A continuación, vemos como él acompañado de una panorámica dependiente de su movimiento (izquierda) va hacia donde está ella, para luego pasar a un plano de ella en el que se repite el movimiento, pero en sentido contrario (derecha). Se les muestra yendo en dir opuestas. 3/6
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En BIRTH (2004) de Jonathan Glazer, el tema de la reencarnación de Sean puede resultar algo ambiguo (yo pienso que el niño es la reencarnación y igual más adelante hago otro hilo comentando algo más al respecto), pero fijaros en estas dos secuencias. 1/6
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Por último, cuando DiCaprio se calma, consigue convencerla para seguir tomando los medicamentos. Ambos forman un único volumen, pero inteligentemente tenemos un plano muy desequilibrado, ya que la situación no es la de una pareja equilibrada en la que todo vaya bien. 6/6
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No me viene a la mente una película que trate mejor el tema de los celos que la magnífica L'ENFER (1994) de Claude Chabrol. Aquí una muestra de ello.
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Podríamos resumir PAST LIVES (2023) de Celine Song en esta panorámica que nos muestra, en direcciones opuestas, las ciudades donde viven los protagonistas (izquierda para Seul y derecha para New York) como forma de expresar los caminos opuestos que tomarán sus vidas.
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Al tumbarse volvemos a ver el rostro de ella, pero se genera una oposición entre ambos, tanto por diagonal de cuadrantes (sup-izq vs inf-der) como por las lineas que generan (vertical vs diagonal). 5/6
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Fijaros como Borzage en la maravillosa LUCKY STAR (1929) marca la derrota de Timothy ante la imposibilidad de poder caminar. Primero con el hundimiento de este en el segmento inferior y luego con su viaje de la luz a la sombra (dejando su rostro cubierto por estas). 1/2
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Brandon sale en busca de la chica y lo que vemos es a gente que choca con él, que le imposibilitan ver y avanzar hacia ella. La ha perdido. No podrá acostarse con ella. Baja las escaleras y descendemos al infierno con él. Así empieza SHAME.
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Entramos en el dormitorio y vemos como a él nos lo muestran muy borroso (apenas podemos verle) a través de un espejo, mientras que a ella la podemos ver claramente. Cuando por fin le vemos a él de forma clara, a ella pasamos a verla en dorsal (remite a la idea de ausencia). 4/6
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Uno de los momentos más hipnóticos en 'La vie nouvelle' (2002) de Philippe Grandrieux.
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Por otro lado, tenemos una luz más inestable en ella y que en ocasiones puede expresar odio (segunda imagen del tweet anterior) o dudas. Fijaros en la sombra en el rostro de ella proyectada por él, cuando él le dice si piensa que le va a hacer daño. Un abismo que la devora. 4/6
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Diagonal de cuadrantes que se utiliza para expresar la idea opuesta que tienen frente a los medicamentos. Oposición generada también por el dinamismo de él frente al estatismo de ella. 2/6
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¿Alguna distribuidora se anima a sacar una edición en Blu-ray de esta película de Jonathan Glazer? Gracias.
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Planos individuales de ella que expresan un alejamiento de él (en ese momento). Además, están desequilibrados por el segmento izquierdo, adecuado para reflejar esa inestabilidad interna. 3/6
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Fantástica esta secuencia de NIGHTFALL (1956) de Jacques Tourneur, en la que partiendo de un plano a la altura de la vista con multiescala (PA y PG) que ayuda a la construcción de la tensión, pasamos a un contrapicado con múltiples verticales una vez la violencia se desata.
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THEY LIVE BY NIGHT / LOS AMANTES DE LA NOCHE (1948) de Nicholas Ray contiene uno de los finales más dolorosamente bellos de la historia del cine (además de ser uno de los mejores debuts de un director en toda la historia) y con un uso ejemplar de la luz.
#Noirvember
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Esas multiescalas que generan tensión (recordad que el ojo trabaja más) entre ambos (ella en PP y él en PML y PA) también una diferencia clara en el ángulo (él en frontal y ella en diagonal-frontal y lateral) que fomentan más esa oposición. 5/6
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Fijaros como el gran Samuel Fuller nos muestra en THE CRIMSON KIMONO (1959) el cambio que se produce ante una misma acción (tocar el piano), pero en situaciones distintas. 1/5
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Sencilla pero brillante idea de luz en ENCADENADOS (1946) del maestro Hitchcock.
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Sentimientos encontrados con EL IRLANDÉS (2019) de Martin Scorsese, aún así, me parece que tiene momentos brillantes como el que se produce durante la llamada de Frank a la mujer de Hoffa.
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Qué película tan maravillosa es GUN CRAZY (1950) de Joseph H. Lewis. Ya desde un principio se respira el destino trágico que les aguarda a los personajes, debido (en gran medida) a la idea de separación entre ambos que sobrevuela toda la cinta.
#Noirvember
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LOVE UNDER THE CRUCIFIX / OGIN SAMA (1962) de Kinuyo Tanaka, nos cuenta la historia del amor imposible entre un samurái cristiano y la hija de un maestro del té. Fijaros en la siguiente secuencia. 1/7
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Cuanta tontería con menospreciar el cine clásico producido en Hollywood...
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Fantásticos primeros minutos de REMORDIMIENTO / BROKEN LULLABY (1932) de Ernst Lubitsch, marcando desde el inicio el tono antibelicista que recorrerá la pelicula.
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Una de las cosas que más me gustan de Terence Fisher es el uso del color en sus películas. Aquí en THE BRIDES OF DRACULA (1960) fijaros en la explosión cromática del color rojo una vez le clava la estaca.
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La llamada termina con Frank hundido al cuadrante inferior derecho, reforzando así, la idea de alguien que se siente roto y hundido por el acto que ha cometido.
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Pero ella ya ha tomado una decisión. Tras un movimiento de camara hacía arriba, vemos como mediante un elemento compositivo (la barra) McQueen los separa. La separación se completa en el siguiente plano al dejar vacío el segmento izquierdo del encuadre.
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En AN AFFAIR TO REMEMBER / TÚ Y YO (1957) de Leo McCarey, en una de sus secuencias más memorables, podemos apreciar el momento en el que el personaje de Cary Grant se enamora (o termina de enamorarse) del de Deborah Kerr.
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Aquí dejo la escena para que podáis verla sin interrupciones 😉
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Fantástico uso del atrezzo en PARTY GIRL (1958) de Nicholas Ray. Aparentemente en esta secuencia podemos apreciar un plano que de primeras parece innecesario (él quitandose el reloj de muñeca y cogiendo el de mano) para más adelante corroborar que no lo era.
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Cuando el oficial encuentra unos huesos (fijaros en el cambio de escala y campo) y sale del agua para evitar que sus hijos se encuentren con ellos, la cámara se mueve. Pasamos de un estado tranquilo (estático) a uno más agitado (movimiento). 2/2
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... Mientras que las verticales son más activas, con mayor fuerza y tensión. Si pongo este ejemplo, es porque ante una situación violenta, estas verticales (además de irregulares) rompen con esa tranquilidad, dotando de mayor fuerza al momento.
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Cuando todo se intensifica más (fijaros en sus gestos), vemos a Brandon en una escala más corta (primerísimo primer plano), en cambio a la chica la seguimos viendo de la misma forma. Brandon ha dado un paso más y ella se mantiene (pero sigue sin alejarse)
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Las imágenes pueden anticipar futuros conflictos antes de que estos emergan. Como en este ejemplo en LEAVE HER TO HEAVEN (1945) de John M. Stahl, donde en el momento que Ellen y Richard se presentan de forma oficial, se inserta un primer plano de Ruth (hermana de Ellen)
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Brandon es un hombre joven y exitoso que oculta una adicción al sexo que domina su vida por completo. En esta escena, cuando empieza a seducir a una chica en el metro, McQueen los iguala en escala (primer plano).
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En conclusión, Ruth va a acaparar la atención del doctor y eso provocará un conflicto con Terry. Es lo que ocurre en la película. Por lo tanto, la imagen expone los conflictos antes de que estos sucedan. 5/5
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A continuación, ella se levanta y se agarra a la barra del metro. Ahí observamos que está casada y eso es lo que le impide acabar acostándose con él. Brandon intenta establecer contacto con ella y acerca su mano a la suya (necesita acostarse con ella)
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En los siguientes planos mientras que a él lo vemos en la misma escala que antes, en ella algo ha cambiado, algo le ha hecho echarse para atrás. Este cambio se ve reflejado en una ligera modificación de ángulo y escala (se ha alejado).
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THE YARDS (2000) de James Gray es una de las grandes películas del nuevo siglo. Aquí un pequeño análisis que hago de una de sus secuencias más importantes.
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Una vez Richard propone llamar a la policía, se produce un cambio a un plano general en el que ambos aparecen distantes (la mesa ayuda a ello). La decisión ha afectado a Alice que comienza a alejarse aún más (acompañada por un movimiento combinado de cámara) de Richard.
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Y por último, ese último plano desolador en el que vemos como la luz de su rostro se va apagando (al igual que ella) como muestra de su dolor tras la pérdida del amor de su vida.
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Por otro lado, Ruth y el doctor comparten el mismo segmento (izquierdo) y están en composición convergente, mientras que Terry diverge con él y está situada en el otro segmento. El doctor terminará enamorándose de Ruth y no de Terry. 4/5
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En SIEMPRE HAY UN MAÑANA / THERE'S ALWAYS TOMORROW (1956) de Douglas Sirk, tras el enfado del hijo, ya se nos muestra la imposibilidad de la relación entre Vale y Groves (causada en parte por los hijos de este) mediante la composición
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Justo acabo de verlo y pensé lo mismo. Por aportar algo más a lo que comenta el gran
@Bracero666
, en una escena previa, la llegada del futuro marido de la hija provoca un gran desequilibrio y vacío (justo en el momento exacto en que le pide matrimonio)
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Antes de nada, comentar que antes del asesinato, Richard y Alice siempre han aparecido encuadrados juntos mientras conversaban. Una vez se produce el asesinato, se les separa en dos planos (rompiendo así la unidad)
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Ruth, situada entre su hermana Terry (siente atracción por el doctor) y el doctor Scott, como si ella fuera un elemento que impide un acercamiento entre los otros dos. Plano que por si solo no es suficiente para trazar la idea. 2/5
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La llegada de Richard consigue reducir la gran presión sobre Alice (aún sigue habiendo presión en ambos) uniéndolos por primera vez desde el asesinato en un plano de conjunto y posteriormente en los planos / contraplanos (mostrando a uno en el plano del otro)
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A continuación, Richard se levanta y se dispone a llamar a la policía.
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Según avanza la conversación, Alice se da cuenta de que es probable que no conociera en realidad a la víctima y obtenemos este plano de ella en el que, por comentar algo más, vemos un fondo roto (fragmentado en varios espacios), lineas y objetos (lámpara) que la presionan.
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Richard se siente completamente hundido y se nos muestra con su hundimiento hacia el cuadrante inferior derecho. Durante la llamada algo cambia (decide buscar otra alternativa) y esto se ve reflejado con el cambio a una escala más corta, que recupera en gran parte el equilibrio.
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Los nervios y las dudas se incrementan provocando que la unidad se rompa y volvamos a tenerlos separados.
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Ante la posibilidad de una salida de la situación (peligrosa eso sí) Alice presiona aún más (la lámpara y líneas ya ejercían presión) a Richard ante el miedo de acabar entre rejas. Esta presión se produce con su entrada en el encuadre de Richard por el segmento izquierdo.
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Entonces, pasamos a este otro plano, en el que vemos al doctor como un elemento divisor entre las hermanas (Terry tendrá celos de Ruth). Un plano técnicamente más complejo al mostrar a la misma actriz dos veces, por lo tanto, buscado para expresar esa división. 3/5
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Seguimos avanzando y nos encontramos con uno de mis planos favoritos. Alice arrinconada por varios objetos dentro del plano que ejercen una gran presión sobre ella, idea que es perfecta para expresar su estado emocional en ese momento.
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Por último, mientras Richard explica el plan a Alice, se vuelve a generar la unidad perdida entre ambos.
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@juankyt0wn
Me han comentado dos amigos que os hizo examenes de varias secuencias! Al ver la película me llamó la atención esta y decidí analizarla jajajaj
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No es casualidad que cuando el niño dice que es Sean (su difunto ex marido), se produzca un cambio en la escala de Kidman (de PM a PP). Cambio que refleja el impacto que produce en ella esa afirmación.
Friday evening viewing recommendation? Coscripted by frequent Luis Buñuel collaborator Jean-Claude Carrière, Jonathan Glazer's BIRTH (2004) is a haunting metaphysical mystery. 🖤
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En ese momento hay un jumpcut que nos produce la sensación de algo (o alguien) roto/que se rompe. Recurso muy adecuado para expresar cómo se siente internamente Frank (está roto) tanto por lo de Hoffa como por tener que mentirle a la mujer (momento que nunca olvidará)
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Se acaba el año y no sé cuantas veces he vuelto a esta escena. Verla en pantalla grande tiene que ser toda una experiencia.
Uno de los momentos más hipnóticos en 'La vie nouvelle' (2002) de Philippe Grandrieux.
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Nos quedamos con ella y volvemos sobre los pasos que han caminado, pero con una ligera modificación en el campo que vemos (ya que la situación es distinta). Una vez que llegue al portal sabemos que no hay vuelta atrás. Cada paso es importante.
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Por último, nuestro deseo de que no se marche y la historia termine, nos empuja a perseguirle, hasta que le vemos desaparecer por uno de los límites del encuadre.
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Ya que el personaje de DeNiro ejercerá una gran influencia en todo lo que hará el de DiCaprio.
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Ella está enamorada del personaje de Cary Grant y es el motivo principal por el cuál acepta la misión, por lo tanto cuando se levanta para irse de vuelta a casa (donde la van a seguir envenenando) las sombras cubren el rostro de él. Queda marcado por la enfermedad.
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"El uso de los planos y contraplanos son increíbles" 😵💫
#Oppenheimer
es la obra más madura de Nolan, porque se enfrenta ante una historia seria que desafía al espectador, el uso de los planos y contraplanos son increíbles, la dirección actoral es de maestría total. La consolidación de uno de los cineastas más importantes del siglo.
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Mientras veía "Una mujer en París" de Chaplin no he podido evitar recordar el final de "Tú y yo" de McCarey. Ambos descubren lo mismo a través de un cuadro.
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Casi a diario me salen varios directores (Tarkovski, Bergman, Dreyer, etc) por aquí, pero (casi) nadie habla de su cine, solo los nombran.
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Una vez comienzan los primeros síntomas de la enfermedad (está siendo envenenada) del personaje de Bergman, vemos como su rostro queda cubierto por las sombras.
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Repitiendo, en ambas, el encuadre, el espacio y el travelling de retroceso (con algo de curva en la segunda) para relacionar la muerte de Sean adulto con la "vuelta a la vida" de este a través del Sean niño. Una forma de establecer una unión entre ambos momentos. 2/6
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Además de otorgar en la composición bastante presencia a la silla de ruedas. Algo de lo que no podrá desprenderse (por ahora). 2/2
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Quien baja las persianas y la ensombrece es el jefe de la operación que, de forma indirecta, tiene que ver con la situación actual de ella. A continuación, en la siguiente secuencia vemos la segunda vez que se vuelve a manifestar en ella la enfermedad.
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La caída de la casa de Usher / La Chute de la maison Usher (Jean Epstein, 1928)
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54. Guardianes de la galaxia Vol. 3 / Guardians of the Galaxy Vol.3 (James Gunn, 2023)
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Por último, aquí el maestro Luis Aller expone cómo Cassavetes, aún usando el manido plano/contraplano, lo utiliza de forma inteligente al reflejar con ello, a través de la repetición, la situación de agotamiento/estancamiento de la pareja. 8/8
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Por último, como he dicho antes, ese duro momento le perseguirá siempre, quedando patente en la conversación con el cura años después.
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Ya que no estaría enferma si no hubiera aceptado la misión. Este uso de la luz me ha recordado a otra gran película del mismo año: PASIÓN DE LOS FUERTES de John Ford.
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Porque ahora os digo, ¿Que parte del rostro de Phoenix está viendo Wahlberg desde su posición? Exacto, está viendo su parte oscura, la cual él desconocía hasta ese momento y que solamente le propone dos vías de escape: matar o morir
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Cuando el cámara da a entender que perdió de vista a Martineau y Nelly, la camara se independiza y avanza hacia Paul. Se trata de un movimiento independiente del movimiento físico pero dependiente del emocional, está volviendo a sentir celos.
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